Reseña: "In Love With Dusk/ Our Own Dream" de Keep Shelly In Athens

Keep Shelly in Athens

In Love With Dusk / Our Own Dream

8.0

@carlosshue

Keep Shelly in Athens es un dúo griego que ha estado sonando cada vez más gracias a que diversos blogs les han dado atención desde sus comienzos en 2010. De inicio no estamos acostumbrados a escuchar que cierta banda sea de Grecia; a excepción de la música típica, muy poca música de la escena contemporánea griega destaca en nuestro territorio, por lo que Sarah y RPR, sus integrantes, ya tienen una gran ventaja sobre sus compatriotas.

KSiA ha lanzado un par de EP’s en 2010 y 2011 bajo el sello ultraindie Forest Family, que comparten con bandas como Tennis, Cults y Sleep ∞  Over. Mismos que les consiguieron una serie de conciertos en EUA presentados por el blog Gorilla VS Bear a finales del año pasado; así como estar en el cartel –con letras pequeñitas– del Coachella 2012.

Para conjuntar 2 años de material un tanto disperso, decidieron publicar una especie de recopilatorio/LP para así llegarle a quienes no les han seguido la pista y a quienes no los conocen aún, este álbum se llama “In Love With Dusk / Our Own Dream”. Ellos denominan su música como downtempo pop, categoría que les va bien pero a la que se pueden sumar otras como el shoegaze o el dream pop. Lo cierto es que Keep Shelly in Athens tiene una de las propuestas más ricas en cuanto a sonidos se refiere, aunque la gran cantidad de ritmos que reúnen en cada canción y los cambios entre una y otra sólo pueden ocasionar contrastantes opiniones, o te encanta o te fastidia o te resulta irrelevante.

Temas como “Running Out Of You”, “Don’t Be Afraid”, “A Tear In My I” y “In Love With Dusk” cuentan con synths y vocales etéreas y fantasmagóricas, bajos profundos y misteriosos que me recuerdan a Air France e inclusive a una Grimes muy fresa. Otras como “Ceremonia Memories”, “Rainy Night”, “Fokionos Negri Street” y “Lazy Noon” parecen sacadas de una compilación de Starbucks o de Putumayo con sus toques de jazz, soul y chillout que podrían dormir a muchos. Después hay otro tipo de canciones, fuertes, intensas y de tonalidades oscuras que rozan el witch house, el hip-hop y el techno como “Our Own Dream”, “Hauntin’ Me”, “DIY” y “A) The Royal Superhero / B) Ready To Pay The Price”.

A algunos “In Love With Dusk / Our Own Dream” les parecerá un álbum extraño, difícil de escuchar y hasta incoherente, sin embargo carece de las dos últimas. Si bien no sigue una línea sino un interesante zigzagueo, es una obra que tiene mucho mérito por conseguir sonar a todo y no a nada, como otros; por estar muy bien producida y mostrarse honesta y propositiva. Aunque sí, para escucharlo tendrás que agrupar las canciones y colocarlas en diferentes playlists porque en esta ocasión ni el orden ni el shuffle funcionarán. Pero una vez escuchado con detenimiento, explorando sus detalles y sus poéticas letras, te dejará con una agradable impresión.

Reseña: "A Joyful Noise" de Gossip

A Joyful Noise

Gossip

7.5

@carlosshue

Beth Ditto y compañía están de vuelta, no sé si con más kilos encima pero sí con más música y esta vez no sólo para hombres. Después de 3 años la polémica banda norteamericana nos presenta “A Joyful Noise”, un disco que le hace bastante honor a su nombre y que muestra en portada a una Beth Ditto reptiliana, revelando quizás su verdadera identidad.

“Music For Men” era un álbum bailable con sus tonos disco, sus notas pegajosas y sus riffs rockers; En “A Joyful Noise” Gossip se mantiene en la misma línea y agregan unos toques de funk para enriquecer su propuesta. En esta entrega Beth Ditto se luce como nunca con una voz inconfundible, potente, bien trabajada y a su vez desenfadada y rebelde.

La travesía comienza con “Melody Emergency”, una pieza compuesta de un constante bajo mueve-cabezas y guitarrazos que impulsan el “uh uh uh” del coro. Le sigue “Perfect World”, primer sencillo que ya ha servido para muchos remixes y no es para menos, tiene toda la fórmula Gossip: una guitarra como de glam rock, la batería bien estructurada, los synths que decoran ligeramente, el teclado adecuado y las vocales estrepitosas que tanto nos gustan. En “Get A Job” los sintetizadores juegan el papel más importante y crean una de las canciones más destacadas del disco que seguramente será parte de muchas playlists fiesteras con su “I love to stay in party but I got to go to work”, hasta podría ser un himno NiNi.

En “Move In The Right Direction” continúa la diversión gratuita que Gossip brinda en cada reproducción de su música, alentándonos a tomar las decisiones correctas y seguir hacia delante. Gossip disminuye la velocidad en “Casualties Of War” para que podamos apreciar la letra; una canción que tiene todo el espíritu de las baladas ochenteras como “Into The Wild” que irremediablemente recuerdan a una Cindy Lauper.

“Get Lost” tiene sus momentos disco, sobre todo en el coro, y nos incita a colocarnos en la pista de baile bajo una bola de espejos. En “Involved” Beth Ditto grita a los cuatro vientos que no está enamorada pero musicalmente la canción no aporta nada interesante a excepción del sonido de la batería. Con “Horns” sucede lo mismo, sólo unos synths traviesos por ahí que le dan vida.

“I Won’t Play” retoma la energía del álbum con un ritmo invariable que va hacia arriba, como la voz de Beth Ditto que en un punto de este track roza los límites del grito. Luego llega “Love In A Foreign Place” para rescatar a la banda de los despiadados críticos musicales.

Gossip nunca se ha caracterizado por ser una banda grandiosa, de música sublime y para oídos exigentes. Precisamente eso es lo que hace que cada disco sea disfrutable pues no tiene pretensiones más allá de darle a sus fans música con la que puedan identificarse mientras la cantan y la bailan. En resumen “A Joyful Noise” pasará a ser “un disco más” de Gossip, no el mejor, no el peor, sólo uno más; lo cual es ideal para quienes desean pasar un buen rato en su auto o en alguna fiesta con amigos. A los fans de la banda les encantará, a quienes los escuchen por primera vez les gustará y tal vez a los expertos les de igual. Quizás se tomaron el nombre del álbum demasiado en serio. 

Reseña: "Reign Of Terror" de Sleigh Bells

Sleigh Bells
Reing of Terror 
8.0 
@el_mark

Alguien vino y le bajó al volumen del segundo álbum de Sleigh Bells. Después del tremendo éxito que tuvieron con “Treats”, el dúo de Nueva York conformado por Derek E. Miller y Alexis Krauss regresa para presentar "Reing Of Terror", su segundo y muy esperado LP. 

La historia de Sleigh Bells comenzó en 2009, con un EP homónimo que incluía 7 tracks como “Ring Ring” (en donde se hace un sampleo de "Can You Get To That" de Funkadelic) y “Beach Girls”, temas que posteriormente fueron incuidos en “Treats” modificando su nombre por “Rill Rill” y “Kids”, respectivamente. 

La explosión vino en mayo de 2010, cuando lanzaron “Treats”, un álbum consistente y poderoso en donde el noise pop aparece en su máxima expresión y la voz de Alexis Krauss parece navegar tranquilamente a través de los sonidos contundentes que dominan el debut del dúo neoyorkino, un debut plagado de excelentes composiciones que sin duda es de lo mejor que nos dejó aquel año. “Tell’em”, "Infinity Guitars" y "Crown on the Ground" son singles que seguramente permanecerán en nuestra memoria por un largo tiempo.

Para los fans el cambio puede ser un tanto drástico, el regreso de Sleigh Bells parece no ser tan ruidoso como se esperaba, en “Reing of Terror” se escucha a una banda más controlada y más armoniosa, pero también más madura. El estilo que los caracteriza sigue ahí, sólo que ahora se toman la libertad de moverse por ritmos diferentes, dejando por momentos a un lado el noise pop y aproximándose mucho más al dream pop.

El álbum abre con “True Shred Guitar”, intro que parece prepararnos para un caótico y rudo paseo a través de los 11 tracks incluidos en el segundo disco de la banda, lo cierto es que eso no sucede, la ya conocida “Born To Lose”, lanzada en enero de este año, es la encargada de continuar con ese paseo que empieza a tomar un camino distinto, disminuyendo la intensidad, mas no la calidad, haciéndolo más agradable, hasta llegar a “End Of The Line”, un track tranquilo al igual que “Leader Of The Pack”, “Road To Hell” y “You Lost Me”, temas que obligan a ver a Sleigh Bells desde una perspectiva diferente, haciendo evidente su evolución y la atención que prestan a los detalles. “Demons” aparece sólo para recordarnos que aún queda ese espíritu rebelde que los hizo atraer las miradas de la crítica en su producción anterior. 

Los segundos discos siempre son un reto, sobre todo después de uno tan exitoso. “Reign Of Terror” no hará estallar tus oídos pero seguramente te atraparán varios de sus tracks, habrá que ver el camino que sigue esta banda y de momento, disfrutar de la bonita voz de Alexis Krauss. 

Reseña + Stream: "Visions" de Grimes

Grimes

Visions

9.0

@carlosshue

Es notable la evolución que ha tenido Claire Boucher mejor conocida como Grimes desde su primer trabajo 'Geidi Primes' (2010), donde la escuchábamos rasposa con inclinaciones hacia un sonido terrenal y crudo. Para su segunda entrega 'Halfaxa' (2010) se dejó llevar completamente por la experimentación, tambores por allí, beats por allá, símbolos en los nombres de las canciones por todos lados y una densa oscuridad que contrastaba de forma interesante con esa voz de niña. Y después llegó 'Darkbloom' (2011) para extasiar los oídos de propios y extraños con las poderosas propuestas sonoras y visuales de 'Crystal Ball' y 'Vanessa', esta última vital pues fue la pieza perfecta que le atrajo toda la atención de la escena independiente.

Ahora Grimes nos presenta su álbum más ambicioso, 'Visions', tan esperado desde que las tremendas 'Oblivion' y 'Genesis' comenzaron a circular en internet. Ambicioso porque ha salido bajo el sello 4AD, que cuenta con artistas Beirut, Bon Iver, Cocteau Twins, Twin Shadow, entre otras joyas. 

Todo comienza con 'Infinite Love Without Fulfilment' a modo de corta introducción para 'Genesis' y 'Oblivion', segundo y primer sencillo respectivamente que van de la mano como hermanas, el nacimiento y la muerte de un amor que deja en la completa nada. Le sigue 'Eight', un preludio cuyas voces robóticas nos despiertan de aquel limbo. Con 'Circumambient' Grimes nos muestra la amplia gama de texturas y tonalidades que puede generar, tanto con sus instrumentos como con su voz, alcanzando magníficos agudos. En 'Vowels = Space And Time' somos transportados a distintas dimensiones a través de portales que emiten ruidos futuristas pop, este viaje continúa con 'Visiting Statue' sólo que se vuelve más mecánico y profundo, adentrándonos hasta escuchar voces misteriosas que nos llaman. 'Be A Body' nos invita a materializarnos con sus vibrantes bajos sólo para poder sentir la intensidad de 'Colour Moonlight (Antiochus)', plagada de maullidos espaciales. En 'Symphonia IX (My Wait Is U)' Grimes se detiene un poco para descansar y esperar a quienes se quedaron atrás, haciendo uso de su eco para guiarlos. Una vez llegando a 'Nightmusic' lo que parecería ser un aria se transforma en una canción para bailar. 'Skin' disminuye la velocidad de un viaje a punto de terminar, el momento romántico ideal para tocar y ser tocados al compás de esos cánticos de ninfa. Hemos llegado finalmente a 'Know The Way', un riachuelo apacible alejado de todo ruido del cosmos, dos minutos de tranquilidad que duran para siempre.

'Visions' pasará a la historia como el mejor álbum de Grimes, no tiene fugas, no le falta ni le sobra nada. Oscila entre lo etéreo y lo denso con tal sutilidad que resulta ser un camino que cualquiera deseará atravesar, sólo para encontrarse con una clase de naturaleza alienígena que no creímos que pudiera ser tan bella para nuestros estándares terrícolas. Pop electrónico brillante y excitante que desafía la gravedad y conduce la electricidad por todo nuestro cuerpo. 

Escuchar 'Visions' es como ser abducido y conocer otros mundos, para después regresar y creer que todo fue un sueño. Al final siempre nos quedará la sensación de que hay algo más allá afuera, y de que ya lo conocimos.

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Escucha el álbum en su totalidad vía NPR:

Reseña: "Born To Die" de Lana Del Rey

Lana Del Rey
Born To Die
7.0
@carlosshue

Vamos a fingir durante un par de párrafos que no sabemos nada de Lana Del Rey, que es una cantante desconocida que lanzó su álbum sin sencillos ni videos virales previos. 

"Born To Die" es un álbum redondo que gira alrededor de las pasiones, específicamente de esa antigua triada Amor-Muerte-Odio que tanto atrae al ser humano. No es de extrañarse entonces que a dos días de su salida encabece las listas de ventas en 11 países.

Pareciera que la intención del disco es sencilla y muy precisa, hacer que quienes lo escuchen se identifiquen con esas historias de amor, con el drama, con una vida llena de momentos contrastantes, con la belleza, lo sublime y lo espantoso. 

Si las canciones reflejaran sólo eso sin duda convencerían, sin embargo la mitad de ellas muestran sin más la realidad, la verdadera finalidad de Lana Del Rey: Dinero, fama, moda, luces, lujos, alcohol, drogas. Es una confesión lírica y musical de lo que siempre quiso y de lo que seguramente ahora tiene. Esa ruda honestidad es lo que le brinda impulso como producto pop.

Una oda al "Sueño Americano" que, según su música, significa quebrantar la ley pero a su vez agradecer que existe para protegerla; ser mujer y considerar el amor ante todo, con su bikini negro puesto clamando que vayan por ella mientras luzca atractiva; llevar una vida de excesos y saber que no le hará bien a nadie pero aún así hacer hasta lo imposible por estar con alguien. El himno doble moralista.

En términos musicales Elizabeth Grant nos ofrece pop con algunos tintes de hip hop; sonido al que ella misma ha denominado "Hollywood Sadcore" y en cierta medida tiene razón pues bien podría ser el soundtrack de una vieja película hollywoodense, llena de tragedia superficial mal actuada. También hay acordes de violín, muchos de ellos, quizás para agregar la emotividad de la que carecen varias de las canciones. Vocalmente siempre se mantiene en tonos bajos, susurrantes, ayudada de arreglos digitales y coros pegajosos que nos hará cantar queramos o no. 

Ahora retomemos todo lo que conocemos del personaje Lana Del Rey, desde su explosiva aparición con el alabado sencillo "Video Games" y la historia de la cantante que vendría a revolucionar la escena independiente, en Junio de 2011; hasta sus desastrosas interpretaciones en vivo y la historia de la niña consentida que viene a obtener más fama y fortuna, en Enero de 2012.

A menos de un año el pasado y el concepto real de Elizabeth han sido develados; el primero por blogs hambrientos de visitas y el segundo por ella misma, al no ser capaz de mantener la calidad vocal que presenta en el álbum. Sus cirugías estéticas ya lo anunciaban. 

Escuchar "Born To Die" es como beber agua, lo disfrutas e inclusive lo necesitas, aún siendo consciente de que no tiene olor, ni color, ni mucho menos sabor. 

Si no quieren comprar el álbum sin antes escucharlo, les dejamos este stream:

Reseña: "Something" de Chairlift

Something

Chairlift

8.0

@el_mark

Chairlift es una de esas bandas indie pop que sonaron durante el 2008, en gran medida gracias al single "Bruises", y es que, ¿quién no vio ese comercial de Apple para el ipod nano? A su regreso, cuatro años después, quedaron sólo dos de los tres integrantes originales: Caroline Polachek y Patrick Wimberly, dejando fuera a Aaron Pfenning, quien abandonara la agrupación después de terminar su relación sentimental con Caroline.

“Something” es el resultado de estos cuatro años de espera, cuatro años en los que la banda estuvo componiendo en la trastienda de una tienda de antigüedades de Nueva York para poder lanzar su segundo material en 2012.

Con un sonido particular y mostrando mayor madurez que en “Does you inspire you?”, su producción anterior, Chairlift nos presenta 11 tracks marcados por un synthpop elegante y de calidad que en momentos deja ver un poco de dream pop, elevando la voz de Caroline Polachek a lugares que no conociamos.

Los singles que nos habían mostrado antes de la publicación del álbum ("Sidewalk Safary", "Amanamonesia" y "Met Before") dejan claro que vienen con todo, y vaya que tienen con que hacerlo. “Something” es un álbum consistente, que va sorprendiendo conforme se va descubriendo, poco a poco. Tracks como "Ghost Tonight" y "I Belong In Your Arms" son canciones que están ahí, esperando el momento indicado para saltar a los charts y colarse entre lo más escuchado del año.  Los cortes tranquilos que complementan el álbum, como "Turning" y "Wrong Opinion", muestran una cara interesante de la banda, en donde el dream pop es el protagonista y la capacidad vocal de Caroline se hace presente.

Chairlift vuelve para decirnos que no es una banda de un one hit wonder, “Something”, es un álbum que se escucha fácil y que va gustando de menos a más, haciendo del pop un género digno de ser escuchado, vale la pena tomarse un tiempo para escuchar la segunda producción de esta banda que promete estar presente durante el 2012.

Escucha "Strange Weekend" de Porcelain Raft

El "Strange Weekend", álbum debut de Porcelain Raft fue incluido en algunas listas de los discos más esperados para este 2012. El disco se lanza el día de hoy de manera oficial bajo el sello Secretly Canadian, una gran noticia para quienes veníamos siguiendo la música del artista italiano Mauro Remiddi, creador del proyecto.

Desde hace unos días circula un stream del álbum y después de escucharlo puedo decir que no estamos frente a la obra maestra del dream pop pero sí frente a un trabajo disfrutable de principio a fin, que nos ofrece un viaje cósmico a lo largo de sus diez canciones. 

Resulta curioso cómo en el sitio del sello discográfico se refieren a Porcelain Raft como "entre los sonidos de M83 y Beach House" (de ahí quizás que Remiddi abra los conciertos de Gonzalez en su gira europea). No sé si se trata de una comparación o sencillamente quieren colocarlo en la línea de esas bandas, ustedes decidan:

Korallreven - Blouse - Keep Shelly In Athens - Still Corners

Reseña: A Different Kind of Fix de Bombay Bicycle Club

A Different Kind of Fix

Bombay Bicycle Club

Island

8.3

@moody_

"Can I wake you up? Is it late enough?" son las líneas con las que Jack Steadman, vocalista y líder de Bombay Bicycle Club abre el follow up al casi acústico Flaws de 2009. Repetidas una y otra vez las líneas de esta canción nos introducen a lo que es, hasta ahora, la mejor producción de la agrupación, respaldada por Ben H. Allen, quien también está detrás del disco debut de Washed Out.

Y si bien, los primeros minutos de A Different Kind of Fix no ofrecen absolutamente nada fuera de lo común, es al paso de las canciones que vamos escuchando a unos Bombay mucho más cálidos en letras y texturas que en sus producciones pasadas. A muchos, les podrá parecer que la banda sigue al pie de la letra la fórumla del indie actual, líneas que se repiten, canciones saturadas de texturas, el lo-fi en la mayoría de los tracks y un sencillo que podría servir para un comercial de Apple, y en esta ocasión incluso, tiene el nombre de uno de sus productos "Shuffle", sin embargo hay cierto toque de espontaneidad en el disco.

Habrá que prestar atención e introducirnos en el ritmo de Fix que va más allá de las estructuras hipnóticas que parecen haber funcionado en todas las reciente entregas de las bandas representantes del indie (léase Foals, The Drums y The Courteeners) Puede ser que Fix sea el disco que defina de una vez por todas el sonido de Bombay y comiencen a ofrecer una propuesta más sólida, de ser ese el caso, este es un excelente punto de partida.

Los puntos altos del disco se encuentran casi al final con "Leave It", una versión orgánica de la fórmula comprobada de Metronomy sólo que con menos synths, más guitarras y baterías en vivo, y "What You Want" que a diferencia de la mayoría de las canciones del álbum tiene algo de resentimiento y acidez en su letra y fuerza en la música.  El álbum cierra con "Still", una balada en el piano que deja relucir la voz y el sentimiento de Steadman y que apaga las luces del escenario que es A Different Kind of Fix.

Aún cuando las influencias son innegables y los mismos Bombay hagan referencia a bandas que ocuparon las listas hace un par de años como inspiración para este álbum  (Animal Collective, entre otros) Fix es una pieza memorable que deja un buen sabor de boca cada vez que se escucha y será un espacio recurrente para quien quiera escuchar un poco de Indie del Reino Unido bien producido y mezclado. 

Lee la reseña completa en Me Hace Ruido.

Reseña: Portamento de The Drums

The Drums
Portamento
French Kiss
7.8

La historia de The Drums va empezando a escribirse vertiginosa. Apenas lanzaban su disco debut el año pasado y ya tenían a buena parte de la crítica en contra pues habían firmado con una disquera importante, hecho que no tiene nada de malo, a menos que tomamos en cuenta la cantidad de hipsters que juzgarían a un disco por la casa disquera antes de escucharlo.

Sin embargo la entrega de su primer placa los puso en el radar y por si fuera poco, los convirtió en una de las bandas más comentadas del año pasado. Sus canciones no ofrecían nada espectacular ni fuera de lo común, pero jugaban con estas melodías pegajosísimas que son fáciles de corear.

Apenas un año después, ya tienen anécdotas dignas de una película biográfica, tras la abrupta salida de Adam Kessler, su exguitarrista. El drama fue documentado en declaraciones oficiales en su sitio web y en entrevistas. Primero estaban, en sus palabras, "devastados" por la pérdida, pero unos días después la consideraban una "bendición disfrazada"

Y en este contexto nace Portamento, el disco sophomore de Jonathan Pierce y compañía, que para decirlo fácil y claro, no tiene nada de espectacular  y sin embargo, suena mucho más auténtico que su producción debut.

El dramatismo de su historia se ve reflejado en las letras que hablan de muerte y relaciones finiquitadas, que bien podrían estar dedicadas a Kessler o a cualquier groupie que se haya robado el corazón de Pierce. El disfrazado optimismo en el upbeat de "Book of Revelation" abre el disco para mostrarse más honesto en "Days" que suena a melancolía pura en la voz de Pierce. "Money" se levanta como una de las canciones más divertidas del álbum donde el protagonista cuenta las ganas que tiene de comprarle un regalo a su enamorada pero no tiene dinero para hacerlo.

Tal vez sea que los acontecimientos de reality show que envolvieron a la banda el año pasado los hizo madurar o que el hecho de firmar con una disquera mucho menos "Mainstream" quitó la presión que tenían encima.  Portamento es un álbum disfrutable en su simpleza, suena libre de pretensión y mucho más humilde (leáse en el sentido literal pues   fue grabado en un departamento) 

En su segundo álbum, The Drums nos siguen recordando a The Beach Boys pero vaya, hoy en día ¿qué no suena a algo que hayamos escuchado antes?

Lee la reseña completa en Me Hace Ruido.

This is why I'm deaf.

Reseña: Biophilia de Björk

Björk
Biophilia
One Little Indian
7.0

A lo largo de su carrera, la islandesa ha marcado un estilo único para cada una de sus producciones. Desde el euro-house para Debut, estridentes instrumentos de cuerda en Homogenic, sonidos minimalistas para Vespertine y un álbum entero a base de voces en Medúlla.

Pero en la última década, los esfuerzos de Björk parecen estar más enfocados en los conceptos y el apoyo visual de éstos, que en la propia música. No cabe duda que Biophilia tiene un gran concepto detrás: las constantes comparaciones entre el universo y el ser humano están en las letras, el ritmo de la luna en "Moon" y la comparación entre el ciclo de vida de un Virus y el amor refuerzan el concepto muy al estilo de las letras de Björk. Aunado a las aplicaciones que acompañan a cada una de las canciones, el concepto rector del disco no falla en coherencia ni en fuerza.

Son las canciones por sí solas las que carecen, por mucho, de la manera casi artesanal en que Björk componía sus canciones. Los arreglos son mínimos, las progresiones de notas se escuchan artificiales, la voz de Björk suena sobrepuesta sobre melodías que en la mayoría de los casos son una cama musical sobre la cual reposan las largas notas en la voz de la cantante.

En Volta ocurría algo similar, pero el ritmo del disco era tan vertiginoso que nos distraía de las melodías. En Biophilia sucede en cada una de las canciones, incluso aquellas en la mitad del disco ("Dark Matter" y "Hollow"), parecen rendiciones de "Pneumonia" de Volta, y son, por mucho, las canciones más aburridas de la carrera de la islandesa.

Incluso así hay joyas que pueden ser rescatadas: El toque de trip-hop en "Thunderbolt", el estreno del gameleste en "Crystalline", el toque de Himno Cósmico es "Cosmogony" (y qué decir de la letra a cargo de Sjon) y sin duda, los 5 minutos de clímax del disco a cargo de "Mutual Core" que muestra destellos de fuerza de producciones pasadas.

Hay que aceptar que este disco no es para aquellos que desean escuchar a la Björk de finales de los 90s,  con más de 40 años la cantautora vuelve a sorprender a muchos, ya sea por el complejo concepto de Biophilia y la manera en que integra las nuevas tecnologías en sus producciones, o por la simplicidad de las canciones que sostienen a un concepto tan rebuscado, pero como cada producción de Gudmundsdóttir, tiene un toque propio e inigualable que la sigue colocando como una de las artistas más vanguardistas de nuestra era.

This Is Why I'm Deaf.

Reseña: Era Extraña de Neon Indian

Neon Indian
Era Extraña
Arts & Crafts México
7.1

Se dice que muchos ya se han cansado de los artistas y discos representativos del chillwave que está de moda, ya sea porque sirve perfecto para calentar los ánimos de las fiestas y clubes hoy en día, o porque Pitchfork se ha dedicado a generar una base de datos de reseñas que parece que documentan la evolución de este género.

Alan Palomo, mejor conocido como Neon Indian encaja perfecto en todos los clichés de este género, sin embargo, desde su producción debut ya había demostrado ser un compositor prometedor.

Su primera placa, Psychic Chasms era un disco mucho menos preocupado pero más ansioso de ser escuchado mientras que Era Extraña parece estar premeditado para contener himnos de festivales y canciones que ruegan por ser remezcladas.

El switch para su segundo álbum no es tan malo como pareciera, en realidad la conciencia puesta en cada una de las canciones le dan un sonido mucho más maduro y más trabajado que en su producción debut. Suena a que Palomo le dedicó el tiempo exacto a cada una de las canciones, llenas de capas con synths y efectos de sonido que construyen un sonido familiar para muchos que imprime la escénica de Neon Indian en el escucha.

Neon Indian se debate entre el amor y el odio de muchos y entrega su segunda producción que vacila de igual forma entre el sentimiento y el beat para la pista de baile. Si usted, lector, es uno de esos cansados del chillwave, probablemente no encontrará nada que sorprenda a sus oídos, pero puede estar seguro que escuchará a un Alan Palomo que entrega un muy decente disco sophomore y que se perfila entre los favoritos para los headlines de todos los festivales alrededor del mundo

Lee la reseña completa en Me Hace Ruido.

This is why I'm deaf.

Reseña: Night of Hunters de Tori Amos

Tori Amos
Night of Hunters
Deutsche Grammophon
7.9


Aceptémoslo: las últimas entregas de Amos colocaron a los fans en un territorio muy fino entre el amor y el odio cuando escuchamos a la pelirroja cantar "Think of me as programmable soda" o su muy extraña y un tanto patética rendición a Mary Jane. Parecía que la chispa se había ido, que no quedaban temas por explorar y era eso lo que tenía a Amos buscando conceptos sin pies ni cabeza para sus discos.

Sin embargo, la nueva producción de la aclamada cantautora tiene un concepto tan ambicioso como el resultado: Un ciclo de canciones que narran la historia de una mujer al final de una relación, donde llevada por Annabelle, una musa infantil que emerge de la naturaleza, emprende una regresión en el tiempo a vidas pasadas. Cada una de las canciones tiene un rol dentro de la historia, y cada una de ellas es una variación de temas clásicos como Nocturne Op. 9 No. 1 de Chopin y Flute Sonata de Bach.

Y aunque para muchos pueda parecer pretencioso y hasta falto de originalidad tomar temas clásicos para convertirlos en canciones, Amos lo hace a la altura de la artista que es dando vida a cada uno de los temas y además entrelazándolos como piezas de un musical.

Shattering Sea se encarga de abrir el disco sentando el territorio agresivo y místico donde se desenvuelve la historia para dar paso a Snowblind, primer tema donde escuchamos a Annabelle, interpretado por su hija de 11 años. La combinación de voces le da un toque más teatral e incluso operístico en algunos puntos del disco. Fearlessness y Cactus Practice son un par de joyas de "Night of Hunters" que brillan con luz propia cuando siguen el hilo conductor de la historia, así como por separado.

La voz de Tori deja la técnica nasal y suena más a "Little Earthquakes" que a "Abnormally Attracted to Sin", Tori se vuelve a escuchar poseída por las canciones. En esta ocasión el piano acompaña y no protagoniza y en cambio deja lugar para una instrumentación exquisita. 

Sin duda, "Night of Hunters" es la mejor entrega de Tori Amos desde "Scarlet's Walk" de 2002 y aunque de primera instancia el concepto parece otra jugarreta de la pianista, por lo menos tiene más solidez y coherencia que sus producciones pasadas. Rebuscado como a Tori le gusta, "Night of Hunters" divide la carrera de Amos y se posiciona como uno de sus mejores discos, tanto en la interpretación como en las letras y sobre todo, en sus habilidades de pianista y compositora, pues aunque no se puede decir que las canciones son de su autoría, sí se deja escuchar la habilidad de Tori con el piano y las estructuras clásicas y del pop que la han caracterizado por casi 20 años de carrera.

Un must para los fans, recomiendo escuchar las versiones originales de cada canción y leer la historia completa de "Night of Hunters" mientras se acompaña el disco.

Tori Amos - Carry (From Night of Hunters)

This is why I'm deaf.